Cultura

Roban nueva obra de Banksy tras ser revelada

Por: Emmanuel Cacho 08 agosto 2024 • 2 minutos de lectura

Banksy ha mostrado 4 obras con una misma temática en el transcurso de esta semana, sin embargo, la última pieza fue robada al poco tiempo de ser revelada.

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Roban nueva obra de Banksy inmediatamente después de ser revelada

El 8 de agosto de 2024, el sur de Londres vio la cuarta obra seguida creada por el artista incógnito Banksy, que ha estado muy activo estos días, después de presentar varios trabajos que han constado de siluetas de diferentes animales. En este caso, se ubicó en el barrio de Rye Lane, que se encuentra en el área de Peckham.

Esta mostraba la forma de un lobo aullando hacia el cielo, pintado sobre una antena de satélite redonda y colocada sobre el techo de una tienda cerrada. La admiración de la audiencia duró poco menos de una hora, pues la pieza fue rápidamente robada por tres hombres, dos de ellos encapuchados, que utilizaron una escalera para retirarla rápidamente.

Dicho acto no pasó desapercibido por la gente que se encontraba en la cercanía, pues el hurto ocurrió en plena luz del día, logrando captar a los ladrones en varias cámaras y por diferentes ángulos. Aunque aún no se han confirmado las identidades de los autores de este robo de arte , también han salido a la luz clips tomados de las cámaras de seguridad de la zona.

Uno de los testigos declaró a la BBC que uno de los miembros de este grupo se dio cuenta de que lo estaban grabando, y su respuesta constó en patearlo, quitarle el celular e intentar arrojarlo al techo. Por fortuna, el equipo móvil chocó con las ramas de un árbol, evitando que la evidencia se perdiera en el acto.

La serie ha sido documentada por la página oficial de Banksy en Instagram, que inició con una cabra pintada en esténcil negro , de pie sobre una columna y dejando caer unas rocas, sobre una cámara de seguridad, que le apunta directamente. Esta generó mucha emoción por parte de los seguidores del artista situado en Bristol, Reino Unido, y cuya sorpresa no terminó ahí.

En menos de 24 horas, otro trabajo con temática similar fue encontrado en las ventanas de una casa ubicada en Chelsea, al suroeste de la capital británica, que mostraba a dos elefantes asomados por estos umbrales, que parecían comunicarse entre sí por medio de sus trompas. La expectativa incrementó, después de que esta se convirtiera en una aparente serie dentro de los canales oficiales del misterioso personaje, que los usuarios comenzaron a llamar “London Zoo”.

Para continuar con la tendencia, Al día siguiente, un puente de Brick Lane, también en Londres, amaneció con tres monos, igualmente pintados en esténcil negro, que parecían colgarse en esta estructura. Estos fueron asociados con el proverbio de origen budista de “no ver el mal, no escuchar el mal y no decir el mal”, aunque la posición de estos animales no coincide con esta frase filosófica.

Estas piezas se han destacado por las publicaciones de Banksy , las cuales no tienen ningún comentario por parte del artista, por lo que han estado sujetas a la total interpretación del público. Mientras tanto, las autoridades londinenses han asegurado que se encuentran investigando el robo de la obra del lobo, con la finalidad de identificar a los ladrones y devolver dicho trabajo.

marzo 20, 2024 09:53 PM • 2 minutos de lectura

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El drag como manifestación cultural
Por: Alondra Mondragón 10 mayo 2025 • 5 minutos de lectura

La historia del drag como forma de expresión performativa tiene sus raíces en tradiciones teatrales antiguas, donde las convenciones de género eran desafiadas desde el escenario. En el teatro isabelino del siglo XVI en Inglaterra, las mujeres tenían prohibido actuar, por lo que los papeles femeninos eran interpretados por hombres, a menudo de manera estilizada y enfática. Este recurso escénico, aunque inserto en una estructura patriarcal, prefiguró ciertas formas del drag contemporáneo.

De manera paralela, en el teatro kabuki japonés del siglo XVII, los onnagata—actores masculinos que asumían roles femeninos eran admirados por su capacidad técnica y sensibilidad expresiva, encarnando una feminidad codificada y ritualizada.

En el siglo XIX, tanto en Europa como en Estados Unidos, el vaudeville y el teatro burlesque ofrecieron escenarios en los que el travestismo escénico se cargó de comicidad, crítica social y espectáculo. En estos espacios emergen formas embrionarias del drag moderno, donde la exageración de los géneros funcionaba como sátira y como liberación.

drag como manifestacion cultural; Lina Piana fotografiada por Renata Gerdes
Lina Piana fotografiada por Renata Gerdes

Durante las décadas de 1920 a 1940, en plena efervescencia cultural del Harlem Renaissance en Nueva York, emergen las drag balls, competencias performativas organizadas por comunidades afrodescendientes y latinas queer. Estos eventos fueron pioneros en la articulación del drag como una cultura queer autónoma, donde la expresión de género se liberaba de los mandatos normativos para transformarse en una estética de afirmación y resistencia.

A pesar de la constante persecución policial, estos espacios clandestinos florecieron como verdaderas incubadoras de arte, identidad y comunidad.

En los años 60 y 70, el drag adquirió un nuevo papel en el contexto del activismo LGBTQ+. Las revueltas de Stonewall en 1969, detonadas en gran parte por mujeres trans, drag queens y personas racializadas, consolidaron al drag como un vehículo político. Figuras como Marsha P. Johnson y Sylvia Rivera simbolizaron la intersección entre estética performativa y lucha por los derechos civiles. En Latinoamérica, Europa y otras regiones, el espectáculo travesti también comenzó a tomar fuerza, aunque enfrentó una fuerte censura y persecución.

drag cultural renata gerdes

En la década de 1980, la cultura ballroom en Nueva York consolidó una nueva dimensión del drag, anclada en la colectividad y la creación de familia elegida. Las Houses, como la House of LaBeija, funcionaron como redes de cuidado, espacios creativos y comunidades de resistencia para personas LGBTQ+ excluidas por motivos de raza, clase o VIH/sida. El voguing, las competencias temáticas y el sentido de pertenencia dieron forma a una estética y ética que perdura hasta hoy. Este universo fue documentado en el influyente filme Paris is Burning (1990), que otorgó visibilidad internacional a sus protagonistas.

A partir de los años 90, el drag empezó a ocupar espacios en la cultura de masas. Películas como To Wong Foo o Priscilla, Queen of the Desert ofrecieron narrativas centradas en personajes drag, mientras que la llegada de RuPaul’s Drag Race en 2009 impulsó una transformación sin precedentes: el drag se convirtió en fenómeno global, exportado e imitado en múltiples lenguas y contextos. En paralelo, las escenas locales comenzaron a reclamar su identidad propia, desde el drag indígena en Canadá hasta la fusión con tradiciones folclóricas en América Latina.

drag de selena

En México, el drag se ha desarrollado como una mezcla de espectáculo popular, crítica social y acto de disidencia. Desde mediados del siglo XX, el travestismo apareció en los cabarets, el teatro de revista y el cine. Figuras como Francis García, mejor conocida como Francis, marcaron un parteaguas. Reconocida por su carisma y talento, Francis fue una de las primeras personas travestis con presencia regular en televisión nacional, abriendo un camino en un contexto marcado por la moral conservadora y la censura institucional.

Durante las décadas de 1970 y 1980, el drag mexicano fue parte del activismo en la sombra: aunque aún no se le nombraba como tal, su presencia en bares, escenarios nocturnos y espectáculos alternativos representaba una forma de resistencia ante un sistema represivo.

Lina Piana drag en mexico
Lina Piana con un diseño de Roberto Sánchez.

El fenómeno de las muxes en el Istmo de Tehuantepec representa una forma precolonial y no occidental de entender el género. El término muxe (del zapoteco muxe’, derivado de “mujer”) designa a personas asignadas hombres al nacer que adoptan roles de género femeninos o fluidos, insertándose socialmente como una categoría reconocida dentro de la cultura zapoteca.

A diferencia de la perspectiva binaria occidental, la existencia de las muxes se basa en una visión comunitaria de la identidad. Algunas se identifican como mujeres, otras como identidades no binarias. Su valor social radica en su participación activa: cuidan a sus madres, organizan celebraciones, trabajan en oficios como el bordado o la peluquería.

Festividades como la Vela de las Auténticas Intrépidas Buscadoras del Peligro, en Juchitán, celebran su identidad con música, danza y elegancia, combinando lo tradicional con lo contemporáneo. Hoy, muchas muxes utilizan plataformas digitales, el arte y el activismo para desafiar estereotipos y construir narrativas propias. Ejemplo de ello es la serie El Secreto del Río, que presenta a una actriz trans zapoteca como protagonista y a creadores indígenas en su equipo, cediendo el espacio a las voces que históricamente han sido silenciadas.

drag en mexico

Zipolite: un territorio queer en la costa oaxaqueña

Más allá de una playa nudista, Zipolite es un símbolo de libertad y comunidad queer. Desde los años 70, ha sido refugio para quienes buscan vivir su identidad fuera de los moldes urbanos o normativos. En los últimos años, su atmósfera abierta y tolerante ha atraído a personas LGBTQ+ de todo el mundo, consolidándose como destino de encuentro y celebración.

En 2019 se celebró el primer Pride de Zipolite, una manifestación de orgullo no comercial, autogestionada y profundamente comunitaria. Con desfiles por la playa, fiestas, arte y expresiones drag al aire libre, Zipolite se ha posicionado como un epicentro de diversidad y autenticidad.

No te pierdas el Pride en Zipolite, Oaxaca los días 16, 17 y 18 de mayo de 2025, con una serie de colaboraciones nacionales donde la escena drag, musical y queer convivirán en libertad, arte y celebración.

Visita su Instagram oficial @naked_zipolite , y consulta el programa completo en su sitio web .

Fotografías por Renata Gerdes.

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Cuando Salvador Dalí prometió nunca volver a México
Por: Emmanuel Cacho 08 mayo 2025 • 2 minutos de lectura

Uno de los genios del siglo XX fue Salvador Dalí, nacido en Figueras, España, el 11 de mayo de 1904, además de ser uno de los más grandes exponentes del arte surrealista hasta la fecha. El excéntrico multidisciplinario no solo destacó por sus obras, también por sus opiniones y puntos de vista, honestos y directos, cuyo gran ejemplo fue su opinión sobre México.

mayo 11, 2024 04:44 AM • 3 minutos de lectura

Autoproclamado como “El Divino Dalí”, este artista español visitó la República Mexicana en una ocasión y, después de conocer el país, juró jamás volver y, aunque existen pocos registros al respecto. Si bien, se desconoce la fecha exacta y las actividades que este surrealista realizó, se conoce la frase con la que Salvador Dalí juró no volver a México.

De ninguna manera volveré a México. No soporto estar en un país más surrealista que mis pinturas.
— Salvador Dalí
retrato de salvador dali con ocelote

/ Wikimedia Commons

En esta expresión, el pintor español hace énfasis en la multiculturalidad del país, que lo hace uno de los más ricos en cuestión de folclor, por lo que no fue sorpresa que el maestro Dalí haya quedado perplejo ante el territorio. Por otra parte, es un hecho que se desconoce el contexto en el que dijo esta frase e, incluso, si se refería a México con asombro o desprecio.

La relación entre el arte surrealista y México ha sido estrecha, con artistas de la talla de Leonora Carrington, Remedios Varo o María Izquierdo haciendo una prolífica carrera en este estilo dentro del país. Así mismo, el padre del movimiento surrealista, Andre Breton, dijo la célebre frase que asegura que México es “el país más surrealista del mundo”.

Cuando Salvador Dalí prometió nunca volver a México
Library of Congress

La entrevista incómoda a Salvador Dalí

Salvador Dalí cumplió su palabra y jamás regresó a México hasta el día de su muerte, el 23 de enero de 1989, sin embargo, en 1971 volvió a tener un contacto inevitable con la cultura mexicana. Este fue por medio de una entrevista, realizada en su casa de Port Lligat, en España, de la mano de Jacobo Zabludovsky, que fue considerada uno de los momentos más extraños en la carrera del periodista mexicano.

En esta sesión de preguntas y respuestas, el excéntrico Dalí comienza con una prueba de sonido en catalán, pero el comunicador le pregunta si esto que pronunció era francés. Encima de esto, las respuestas del artista español se llevaban desde el humor, contestando desde el sin sentido surreal, que confundió a Zabludovsky.

Un momento clave fue cuando el anfitrión de 24 Horas cuestionó a Dalí sobre el consumo de LSD, enfureciendo al maestro surrealista, quien reclamó que hiciera una pregunta más inteligente. Igualmente, el Divino Dalí fue cuestionado sobre política, sobre monarquía y, específicamente, sobre el dictador Francisco Franco, cuyas afirmaciones eran sabias, pero complejas de seguir el hilo a raíz de la personalidad histriónica del español.

Cuando Salvador Dalí prometió nunca volver a México
Wikimedia Commons

Añadiendo las preguntas de índole extraño, Zabludovsky cuestionó a Dalí sobre su salud mental, y el artista dio una de las respuestas más elegantes de la historia:

La única diferencia entre Salvador Dalí y un loco es que no estoy loco.
— Salvador Dalí

Dalí habló también sobre el arte mexicano, admitiendo que no le gustaba el muralismo, aunque respetaba a los artistas de esta corriente y admiraba su talento, pero, desde su punto de vista, la pintura no debía ser más grande que el lienzo que se coloca en un caballete.

Con todo el respeto que le tengo a los artistas de gran talento de México, el arte mexicano no me gusta absolutamente nada, sobre todo los que hacen los modernos, todos los muralistas. Para mí, las pinturas que ya pasan de los límites de un cuadro de caballete, ya encuentro que son un desastre.
— Salvador Dalí

Salvador Dalí tuvo una relación muy extraña con México y su cultura que, si bien, no despreció del todo, si resultaba incompatible con el gusto del genio surrealista.

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¿Cuáles son los nombres papales más comunes?
Por: Beatriz Esquivel 08 mayo 2025 • 1 minutos de lectura

El cambio de nombre del nuevo pontífice es una milenaria tradición que después de 267 papa se ha mantenido, pero ¿cómo fue que se originó y cuáles son los nombres más populares entre los máximos representantes de la Iglesia católica? Aquí te lo resumimos:

¿Por qué los papas eligen nuevo nombre?

De acuerdo con Vatican News, el cambio de nombre del santo padre, es una costumbre milenaria que surgió precisamente en los tiempos de Jesús. Según la historia de la Iglesia, Jesús cambió el nombre del apóstol Simón por el de Pedro, quien fuera el primer pontífice de la institución eclesiástica. De tal forma, todos los papas han sido sus sucesores.

De hecho, no es el único apóstol al que Jesus le cambió el nombre, por ejemplo, Natanael fue nombrado San Bartolomé, sin embargo, San Pedro Apóstol es el primer papa pues Jesús le entregó las llaves de su Reino y la misión de edificar su Iglesia: “Tú eres Pedro y sobre esta piedra edificaré mi Iglesia”.

Sin embargo, aunque el origen de la costumbre es milenaria, se tiene identificado que los primeros papas no solían cambiar su nombre. En realidad hasta el siglo X fue que se convirtió en la norma.

El papa más reciente ha elegido el nombre de Leon XIV, que curiosamente es parte de los nombres más populares.

El más popular de todos ha sido “Juan”, pues 22 papas han decidido nombrarse así. Esta es la lista de los principales:

  • Juan
  • Gregorio
  • Benedicto
  • Clemente
  • Inocencio
  • León
  • Pio
  • Esteban
  • Bonifacio
  • Urbano

El nombre que ningún pontífice ha elegido

Pero curiosamente, a pesar de la gran multitud de nombres y la popularidad de algunos, lo cierto es que hay un nombre que ningún papa se ha atrevido a elegir: el de Pedro, el primero de todos ellos.

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Conoce las 10 danzas más icónicas del mundo
Por: Emmanuel Cacho 28 abril 2025 • 3 minutos de lectura

La música es parte de nuestras características distintivas como seres humanos, pues ninguna otra especie en el planeta tiene la capacidad de generar ritmos y seguir movimientos acorde a estos. Es de este modo que parte del disfrute de este arte tan único es la danza y el baile, pues resulta inevitable que nuestro cuerpo no reaccione y fluya al compás de incontables piezas.

Ambos conceptos suelen confundirse, sin embargo, tienen distintos significados, aunque sí están enlazados entre sí. Ambas son formas de expresión cultural al ritmo de la música, por lo que te compartimos cuál es la diferencia.

agosto 01, 2024 12:04 PM • 5 minutos de lectura

Diferencia entre el baile y la danza

Baile

El baile es una forma de expresión corporal que destaca por seguir el rito de la música de forma libre y espontánea, de manera informal en la mayor parte de los casos, pues su finalidad es completamente personal.

Conoce las 10 danzas más icónicas del mundo
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Danza

La danza destaca por movimientos corporales que transmiten un mensaje o narran una historia. Esta implica disciplina, dedicación y conocimiento, que se complementan con una estética en específico, como vestuarios, disfraces u objetos. Muchas de estas tienen una coreografía establecida, aunque otras destacan por una estructura relacionada con los pasos y movimientos.

Cada una de estas se relacionan con una cultura o religión, aunque también pueden ser una forma de arte expresivo o de entretenimiento.

Danzas del mundo

En esta lista te presentamos las danzas más populares en el mundo:

1. Samba (Brasil)

Este ritmo vivo y vibrante es el alma de los carnavales en Brasil, que nace gracias a la influencia afrodescendiente del país sudamericano. Esta danza está cargada de sensualidad gracias a sus complejos movimientos de cadera y un rebote hacia el suelo de los hombros.

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2. El jarabe tapatío (México)

Existen muchísimas danzas tradicionales en México, pero, sin lugar a dudas, la más reconocida a nivel mundial es el Jarabe Tapatío, originario de Guadalajara, Jalisco y que destaca por saltos y taconazos alrededor de un sombrero. Este no es solo alegre y vibrante, es bastante complejo, pues los movimientos son sumamente precisos y cuidadosos.

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3. Flamenco (España)

El flamenco es una expresión artística sumamente completa, pues no solo se limita a la danza, también incluye un estilo de canto bastante marcado y una técnica de guitarra que requiere un alto nivel de ejecución. Su forma es una de las más libres, pero destaca por los aplausos, expresiones faciales y movimientos sensuales.

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4. Tarantela (Italia)

La tarantela es la danza folklórica tradicional del sur de Italia, que reluce por un ritmo vivaz y veloz, que, además, acelera progresivamente en el transcurso de las piezas.

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/ Getty Images

5. Tango (Argentina)

Esta danza fue considerada sumamente inmoral en su momento por la cercanía entre la pareja que ejecuta los movimientos. El tango nace en Argentina y Uruguay, con un complejo juego de pies y movimientos expresivos que le agregan dramatismo a la interpretación.

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6. Irish stepdance (Irlanda)

La danza folklórica de Irlanda es sumamente impresionante por su complejidad, pues esta trata de darse ritmo al golpear con los pies el suelo, mientras se mantiene la espalda completamente recta.

7. Polka (República Checa, Polonia)

La danza de República Checa y Polonia está llena de alma, pues esta suele formar parte de celebraciones y festivales. La polka es alegre y se interpreta con instrumentos como el acordeón, además que se baila en pareja, con giros, cierres y pasos laterales.

8. El baile de los leones (China)

Esta es una de las danzas chinas más reconocidas en el mundo, que acompaña varias celebraciones importantes para esta cultura, pues toma inspiración mitológica para atraer abundancia a cualquiera que la llega a presenciar, pues representa la prosperidad y la buena fortuna.

Es ejecutada por dos bailarines con traje de león, que realizan acrobacias sorprendentes al ritmo de una música viva y una escenografía llena de color.

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9. Hula (Hawái)

El Hula es la danza polinesia más representativa de Hawái, cuyos movimientos transmiten muchísimos mensajes, dependiendo de cada pieza, pues representan diferentes aspectos de las creencias de esta región. Este se identifica con el movimiento de cadera, que debe mantenerse estable, pues siempre está rodeado de algún objeto, como un aro o falda de materiales que le dan dinamismo al performance.

Conoce las 10 danzas más icónicas en el mundo

/ Getty Images

10. Ballet (Italia/Francia)

La danza clásica nace en Italia entre los años 1400 y 1600, cuyas características principales son la gracia, agilidad y elegancia, además de una narrativa cuyo objetivo principal es contar una historia dentro de cada acto.

Conoce las 10 danzas más icónicas en el mundo
Pixabay

Estas danzas forman parte de la identidad de los seres humanos, de sus tradiciones y de su historia, que nos recuerda que este arte se debe preservar e incentivar a las nuevas generaciones, apasionarse por ellas e, incluso, practicarlas.

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El desierto y el arte: un encuentro de silencio y creatividad
Por: Mónica Alonso & Victoria González 10 mayo 2025 • 1 minutos de lectura

¿Alguna vez has pensado en el desierto como un lugar lleno de inspiración?

Aunque parezca un espacio árido y silencioso, el desierto tiene mucho que ofrecer a los artistas y a quienes buscan conectar con la naturaleza de una manera especial.

El desierto nos enseña que la belleza puede encontrarse en lo simple. Sus dunas doradas, su cielo inmenso y el silencio que lo acompaña crean un escenario perfecto para la creatividad. Muchos artistas han encontrado en estos paisajes un lienzo en blanco, donde pueden plasmar sus ideas y sentimientos.

Viaje de Jacob a Canaán o Viaje de Rebeca a Canaán.jpg
Luca Giordano, Viaje de Jacob a Canaan o Viaje de Rebeca a Canaan, c 1687. / ©Museo Nacional del Prado

Por ejemplo, en las pinturas rupestres que se han descubierto en diferentes partes del mundo, podemos ver cómo las personas antiguas usaron las paredes de las cuevas para contar historias y expresar su relación con la tierra y el cielo. Hoy en día, fotógrafos y pintores siguen buscando captar esa magia en las arenas y en los atardeceres que parecen pintados a mano.

El desierto también invita a la reflexión. Su inquietud y amplitud nos hacen sentir pequeños, pero a la vez nos abren la mente para imaginar nuevas historias y formas de ver el mundo. Muchas instalaciones artísticas se han realizado en estos espacios, usando la arena, la luz y el viento para crear obras que nos invitan a pensar y sentir.

inspiracion en el desierto para el arte
Pexels

El desierto es mucho más que un lugar de paso o un paisaje hermoso. Es un espacio donde el arte puede florecer en la sencillez, en la paciencia y en la conexión. con la naturaleza. Nos recuerda que la creatividad no necesita de mucho, solo de un corazón abierto y la disposición de escuchar el silencio.

Así que la próxima vez que tengas la oportunidad, ¡anímate a visitar un desierto! Allí, entre dunas y cielos estrellados, quizá encuentres la inspiración que estabas buscando y logres tu mejor obra de arte.

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8 obras para entender la genialidad de Salvador Dalí
Por: Emmanuel Cacho 09 mayo 2025 • 3 minutos de lectura

No podemos hablar del surrealismo sin mencionar a Salvador Dalí, una figura artística cuya genialidad abstracta que en muchas ocasiones fue confundida con locura, debido a sus obras parecían sacadas de los sueños más extraños. El Divino Dalí, como se hacía llamar él mismo, nació en Figueras, España, con el nombre completo de Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, marqués de Dalí de Púbol, el 11 de mayo de 1904 y fue uno de los artistas multidisciplinarios más importantes del siglo XX.

Las obras de Dalí no solo son complejas, son un desafío a la lógica humana, que nos muestran mundos y conceptos únicos que solo una mente como la de este excéntrico pintor español puede aterrizar en sus trabajos. La forma más sencilla para entender la genialidad de Salvador Dalí es, precisamente, conociendo sus piezas más icónicas, por lo que aquí te presentamos algunas de las más representativas de su trayectoria.

mayo 11, 2024 04:44 AM • 3 minutos de lectura

1. La persistencia de la memoria

Esta es la pintura más conocida del Divino Dalí, que muestra un paisaje frente al mar, con los icónicos relojes derritiéndose. Un detalle curioso es el tamaño de este lienzo, pues es muy similar al de una hoja tamaño carta y se puede apreciar en el Museo de Arte Moderno (MoMA, por sus siglas en inglés) de Nueva York.

8 obras para entender a Salvador Dalí
Salvador Dalí, La persistencia de la memoria, 1931 / Wikimedia Commons

2. El sacramento de la última cena

Uno de los trabajos más contrastantes del artista español es su versión de la Última Cena, donde proyecta a un Cristo rubio, con la playa de Cataluña de fondo. En la década de 1950, Dalí se convirtió al catolicismo, por lo que muchas de sus obras giraron alrededor de la temática religiosa.

Obras para entender a Salvador Dalí
Salvador Dalí, El sacramento de la Última Cena, 1955 / National Gallery of Art

3. El Cristo de San Juan de la Cruz

Durante la época más religiosa del arte de Dalí, el español tuvo un sueño que lo cautivó y llevó directamente al lienzo, pues en este veía a Jesucristo en la cruz, pero sin ninguna muestra de la pasión. Esta figura, libre de heridas, fue la inspiración para realizar al Cristo de San Juan de la Cruz, al que vemos con el cabello corto, sin clavos, ni rastro de dolor, mientras observa a dos pescadores remando en el mar.

8 obras para entender a Salvador Dalí
Salvador Dalí, El Cristo de San Juan de la Cruz, 1951 / Wikimedia Commons

4. Galatea de las Esferas

Salvador Dalí no era solo apasionado del arte, también era sumamente culto en las ciencias, especialmente en la biología molecular y en la física nuclear, fascinado por los estudios al respecto del ADN y la composición genética del ser humano. Con esto en mente, Dalí crea el lienzo de Galatea de las Esferas, inspirado en su propia esposa, Gala, para explicar a su modo el origen atómico del todo.

8 obras para entender a Salvador Dalí
Salvador Dalí, Galatea de las esferas, 1952 / Wikimedia Commons

5. Cisnes reflejando elefantes

En este cuadro, Dalí juega con las ilusiones y los reflejos de una forma tan minuciosa que en cada vista podemos descubrir más detalles. En esta obra de doble vista, Dalí nos muestra a tres cisnes descansando en un estanque de Port Lligat, sin embargo, en el cuerpo acuático, pareciera que estos se transforman en poderosos elefantes.

8 obras para entender a Salvador Dalí
Salvador Dalí, Cisnes reflejando elefantes, 1937 / Wikimedia Commons

6. La metamorfosis de Narciso

Tomando inspiración del mito de Narciso, el artista español crea una doble imagen que narra la historia y trasfondo de este trágico personaje, al que podemos encontrar admirándose en el estanque, con sus pretendientes detrás, pero con muchos secretos ocultos en el lienzo.

8 obras para entender a Salvador Dalí
Salvador Dalí, La metamorfosis de Narciso, 1937 / Wikimedia Commons

7. El enigma de Hitler

Dalí tenía una extraña obsesión con Adolf Hitler , que hizo real en su obra de 1939 titulada El enigma de Hitler, donde podemos ver el retrato de este dictador sobre un plato, mientras que un teléfono fálico derrama una gota sobre este recipiente. Esta pintura le provocó la expulsión del grupo de surrealistas de André Bretón.

8 obras para entender a Salvador Dalí
Salvador Dalí, El enigma de Hitler, 1939 / Museo Reina Sofía

8. Los elefantes

Uno de los cuadros para entender las formas en las que Salvador Dalí retaba lo lógico en el arte es en Los elefantes, donde nos muestra a dos de estos enormes animales, cuyas patas han sido alargadas, adelgazadas y frágiles, con obeliscos flotantes a sus espaldas, en homenaje al escultor Bernini.

8 obras para entender a Salvador Dalí
Salvador Dalí, Los elefantes, 1948 / Wikimedia Commons

Fuentes:

mayo 08, 2025 05:11 PM • 2 minutos de lectura

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¿Las mujeres que leen siguen siendo peligrosas?
Por: The Conversation 03 mayo 2025 • 5 minutos de lectura

Por Raquel Baixauli Romero , Universitat de València


En 2005 se publicó en Alemania el libro Las mujeres, que leen, son peligrosas . En él, a través de una selección de obras de arte, Stefan Bollmann planteaba una historia ilustrada de la lectura femenina en el mundo occidental.

Más allá de los cambios en torno a esta práctica, resulta interesante comprobar cómo el siglo XIX diferenció la forma de representar a los hombres que leen de las mujeres lectoras.

Pero, ¿cómo contribuyó el arte a construir las identidades lectoras? ¿Qué libros se consideraban apropiados para las mujeres? ¿En qué momento leer se entendió como un peligro y por qué?

Lectura e identidad femenina

Durante el siglo XIX se construyó una versión de la feminidad basada en la domesticidad. La imagen del ángel del hogar admitía la lectura como pasatiempo para las mujeres. Pero el contenido de los libros debía remitir a su instrucción, devoción o esparcimiento sin alterar su virtud.

Con el afianzamiento de la sociedad de consumo, leer se convirtió en uno de los entretenimientos urbanos preferidos. En las grandes ciudades se concentraban las clases sociales que tuvieron acceso a la lectura . Y, aun cuando la alfabetización era baja, a finales de siglo el público potencial era el femenino. Incluso existieron estrategias para atraer y fidelizar a más lectoras; por ejemplo, las novelas por entregas que solían aparecer en folletines.

¿Las mujeres que leen siguen siendo peligrosas?
Henri Fantin-Latour, La lectora, 1877 / Musée d’Orsay

Las mujeres habían estado en el punto de mira desde que se instauró la costumbre de leer en silencio. Pero en el siglo XIX, ante la creciente cultura femenina de la novela, aumentó la obsesión por regular la práctica, lo que desató la reacción de partidarios y detractores. Por un lado, se argumentó que la lectura de este género incidía en las virtudes asociadas a la feminidad imperante. Por otro, hubo quienes vieron en la lectura desenfrenada un síntoma de inestabilidad.

Así, la sociedad del ochocientos definió la relación de las mujeres con la lectura en términos morales.

El peligro de la identificación

Leer es un acto esencial de la sensibilidad moderna. Más allá de los propósitos, la lectura refleja dinámicas emocionales. Gracias a la persuasión experimentamos las historias en primera persona, echamos de menos a los personajes, buscamos equivalencias con la realidad. Nos reconocemos en las tramas, adivinamos nuestras carencias y nos identificamos con lo que alguien confió al papel. La acción de leer habla, por tanto, del deseo.

Aquí reside una de las explicaciones a la fiebre novelística del siglo XIX. Ante unos marcados roles de género, en las lecturas se volcaban multitud de anhelos. Sobre todo, en aquellas que trataban sobre la pasión y el desamor. En la intimidad, en soledad o compartidas, las lecturas femeninas establecían lazos cómplices que subvertían lo establecido. Y fue por ello por lo que se debatió su regularización.

¿Las mujeres que leen siguen siendo peligrosas?
Creative Commons

En la novela Madame Bovary , Gustave Flaubert creó una protagonista mítica, entregada a las lecturas. Una soñadora que pronto advirtió su insatisfacción. Una mujer peligrosa, incluso, si se analiza desde los argumentos decimonónicos que afirmaban que identificarse con según qué historias tenía consecuencias. El personaje de Emma Bovary dio nombre al “ bovarismo ”, el deseo, a partir de la ficción, de tener un destino más satisfactorio.

Argumentos médicos contra las novelas románticas

La sociedad burguesa impuso condiciones lectoras a las mujeres. El siglo XIX concentró sus esfuerzos en definirlas desde la perspectiva médica. Esta categorización implicó que las ideas de salud y enfermedad se construyesen en paralelo a los discursos de género . De este modo, se teorizó sobre su naturaleza y se imaginaron como seres diferentes alejados del estándar de salud.

La mirada clínica defendió que, como seres fácilmente impresionables, determinadas novelas podían afectar a las mujeres. Reputados médicos e higienistas les recomendaban leer con moderación; también insistían en buscar obras que nutrieran su intelecto y alejarse de historias que excitaran las pasiones. El arte se hizo eco de todas estas creencias. Y, a lo largo del siglo, fue común representar a lectoras en actitudes varias.

Las hay que emulan el paradigma del ángel del hogar y leen un libro como síntoma de intelectualidad o refinamiento. Pero, más allá de la erudición, abundan las lectoras soñadoras y dormidas. En prensa se reprodujeron grabados de muchachas frágiles leyendo su primera novela de amor. También hay quienes las representan desnudas y extasiadas. Otras se muestran envidiosas al compararse con las protagonistas del relato. Incluso las hay enfermas a causa de la lectura.

¿Las mujeres que leen siguen siendo peligrosas?
Sebastià Junyent, Clorosis, 1899 / Museu Nacional d’Art de Catalunya

Una de las afecciones que se relacionó con esta causa fue la clorosis . Entre sus síntomas se encontraban algunos relacionados con la anemia, como la debilidad y la palidez. La clorosis fue un diagnóstico muy popular en la segunda mitad del siglo, dirigido principalmente a mujeres jóvenes. El discurso médico incidió en cuestiones como la falta o exceso de deseo sexual.

El arte, sin embargo, prefirió centrarse en la lectura. Considerada como una enfermedad social en el XIX, a principios del XX se demostró su invención , pero retratar la clorosis formó parte de la estrategia para advertir del peligro de la lectura. En el entramado cultural del fin de siglo, fuertemente misógino, las imágenes se aliaron con los argumentos médicos contra la libertad femenina.

Leer como acto de resistencia

La mentalidad decimonónica entendió la lectura en solitario como algo peligroso para las mujeres; no tanto por el acto en sí, sino por una cuestión emocional. Históricamente, esta práctica se ha expuesto desde este lugar.

Aquellas que tuvieron acceso a la lectura se las ingeniaron para poder leer más, acceder a determinados títulos y descollar el discurso establecido, como la niña que enciende la linterna bajo la sábana para terminar su libro. En este contexto, desear se convirtió en un acto de resistencia.

La cultura visual del siglo XIX inauguró este modo de identificarse con la lectura. Hoy en día, aparentemente lejos de cualquier peligro, es curioso comprobar cómo se arrastran cuestiones de esta cultura femenina en torno al libro. La escritora y crítica literaria María Ángeles Cabré afirma que “se lee en clave femenina cuando se lee entre líneas, buscando más allá de las evidencias”.

Lo cierto es que cualquiera que lo hace busca participar de las obras: frente a un mundo anestesiado, nos sumergimos en historias para acceder a nuestro horizonte propio. La acción se convierte en un espacio de recogimiento, donde habita el disfrute personal más allá de los quehaceres diarios.

Leer permite, al igual que en el XIX, imaginar otros mundos. Pero la actualidad nos brinda una posibilidad más: ahora también podemos crearlos. Quizá por eso, además de lectoras, despuntan grandes autoras (y editoras, y libreras…). Felices lecturas.


Raquel Baixauli Romero , Doctora en Historia del Arte, Universitat de València


Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation . Lea el original .

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“Habemus Papam”, el significado e historia de esta frase
Por: Emmanuel Cacho 08 mayo 2025 • 1 minutos de lectura

Este 8 de mayo de 2025 se dio a conocer la llegada del nuevo papa por medio de la reconocida fumata blanca, señal de que el cónclave había dado un resultado conclusivo ante la llegada de un santo pontífice. La emoción se mezcló con suspenso, mientras que los fieles esperaban escuchar la frase pronunciada por el cardenal protodiácono desde el balcón central de la Basílica de San Pedro: “Annuntio vobis gaudium magnum: Habemus Papam”.

El significado específico del latín “Habemus Papam” al español es, literalmente, “tenemos papa”, pero la frase completa es mucho más grande, pues se enfoca en anunciar y presentar al santo padre, comenzando con su nombre secular, añadiendo su nuevo nombre como líder religioso.

Les anuncio con gran alegría: ¡tenemos papa! El eminentísimo y reverendísimo señor, el señor (nombre y apellido del cardenal), cardenal de la Santa Iglesia Romana, que ha tomado el nombre de (nombre papal elegido).

A pesar de que esta famosa oraciones un momento sumamente memorable y solemne en la actualidad, esta no era utilizada de esta forma durante los primeros siglos en la historia del cristianismo. Los primeros registros del uso de la frase “Habemus Papam” se tienen a partir de la Edad Media, cuya aplicación certera fue a partir de la elección del papa Inocencio VII en 1484.

Así mismo, se puede pensar que se comenzó a usar algunas décadas antes, en la elección de Martin V de 1417, después de un periodo complicado con el Concilio de Constanza, cuando existieron tres papas de forma simultánea, incluyendo a Benedicto XIII y Juan XXIII. Se cree que al finalizar este momento, uno de los diáconos anunció a los fieles una frase similar que se traducía como “¡por fin tenemos papa!”.

“Habemus Papam”, el significado e historia de la histórica frase
Wikimedia Commons

Aunque el anuncio de un nuevo pontífice tiene una fórmula, esta se ha transformado con el paso de los años, incluso en los últimos cónclaves, donde fueron electos Benedicto XVI y el papa Francisco. Estas variaciones han sido muy pequeñas y no comprometen el resultado final, muchas adaptadas a la temporalidad en la que se vive.

Cabe destacar que el texto que se dice para presentar al papa está inspirado parcialmente en el libro evangélico de San Lucas 2:10-11, cuando un ángel anuncia el nacimiento de Jesús a un grupo de pastores.

Pero el ángel les dijo: “No tengáis miedo, porque os traigo una buena noticia que será motivo de gran alegría para todos: Hoy os ha nacido en el pueblo de David un salvador, que es el Mesías, el Señor.
— San Lucas 2: 10-11

Un dato adicional es que, cuando el papa en turno es el primero en elegir un nombre, se puede optar o no por decir el número, como ocurrió con Juan Pablo I, donde se le presentó como el nominal “primero”, o con Francisco, con el que nunca se utilizó el nominal I.

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Niño daña cuadro de Rothko valuado en 50 millones de euros
Por: Emmanuel Cacho 30 abril 2025 • 2 minutos de lectura

Las obras de arte tienen un valor increíble, especialmente si el artista es considerado de alta influencia en el campo donde desempeñaron su disciplina, como ocurre con Mark Rothko, nacido en Letonia, pero naturalizado estadounidense. Sus trabajos son considerados de los más cotizados en el mundo del coleccionismo, por lo que suelen ser valuados en cifras estratosféricas. Uno de sus emblemáticos cuadros fue rasgado por un niño dentro de un museo de Róterdam, valuado en 50 millones de euros.

abril 15, 2025 07:39 PM • 2 minutos de lectura

Esto ocurrió el pasado lunes 28 de abril, en el museo de Boijimans van Beuningen, ubicado en esta ciudad de Países Bajos, de acuerdo al informe del periódico Algemeen Dagblad , mientras que el infante cruzó las barreras de seguridad para tocar la obra, titulada Grey, Orange on Maroon, No. 8. Esto dejó algunos rasguños en la capa de pintura de la zona inferior, que no fue barnizada.

El suceso fue producido durante un momento de descuido, por lo que la pieza tuvo que ser retirada de exhibición y enviada a restauración, sin embargo, esta puede resultar complicada, a raíz de la técnica, pigmentos y otros materiales por los que destaca Rothko. Cabe destacar que el museo no reveló más información sobre el incidente, añadiendo que no publicará fotografías de los daños.

Un punto clave de la gravedad del asunto del daño a Grey, Orange on Maroon, No. 8, es que la obra no tiene capa de barniz, lo que la hace mucho más vulnerable a ser dañada, pues este procedimiento funciona como una capa protectora. Así mismo, los materiales utilizados por el artista también generan sensibilidad si esta no es manejada con las precauciones necesarias.

La obra se encuentra en el museo desde la década de 1970 y forma parte de la colección interna del recinto, considerada como una de las piezas más valiosas de Mark Rothko y, tras ser retirado, el equipo del museo ha expresado inseguridad sobre el regreso de la obra a su exposición.

Mientras tanto, se comenzó la búsqueda para encontrar expertos en conservación para regresar la obra a su antiguo esplendor, mientras que los trabajos de restauración permanecen pendientes. La identidad del niño y de sus padres no ha sido revelada, además que no se han dado a conocer los responsables de que el infante pudiera acercarse y tocar la pieza.

Cabe destacar que esta no es la primera ocasión en la que un cuadro de Rothko es dañado, esto también sucedió en 2012, cuando un artista de Polonia llamado Wlodzimierz Umaniec marcó deliberadamente la obra de 1958 titulada Black on Maroon, colocando su firma, asegurando que artistas como Duchamp se apropiaban de obras ajenas también. El proceso de restauración fue aún más complicado y el polaco emitió una disculpa pública después de tal acto.

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Exposiciones imperdibles de mayo 2025 en la CDMX
Por: Marilú Morales 01 mayo 2025 • 2 minutos de lectura

Mayo es una nueva oportunidad para visitar exposiciones en la CDMX, y estas son las que te recomendamos desde Central.

Los primeros cuatro días del mes aprovecha la última oportunidad para visitar la exposición Amazonia en el Museo Nacional de Antropología. Una serie de 230 fotografías en blanco y negro hechas por el fotógrafo Sebastião Salgado, un diálogo entre la naturaleza y el ser humano, reflejando la majestuosidad de la selva, los ríos y las montañas.

Ya que hablamos de la naturaleza y el medio ambiente, ve a Lago Algo para visitar la exposición Capítulo VII: Shifting Grounds, una muestra colectiva que hace especial hincapié en el impacto humano en el medio ambiente, la migración, la identidad y más.

Mayo también es ideal para ver con tus propios ojos el trabajo de Monet, Manet, Van Gogh, Degas, Renoir y otros artistas impresionistas que tomaron el Museo del Palacio de Bellas Artes para mostrar su Revolución Impresionista: Monet a Matisse.

Exposiciones imperdibles de mayo 2025 en la CDMX

Antonio. Moda indomable

A los amantes de la moda les encantará la exposición del Museo Franz Mayer con ilustraciones, fotografías y prendas de los artistas Antonio López y Juan Ramos que influyó con su estilo los años setenta y ochenta.

Fecha: Hasta el 29 de junio.
Dónde: Museo Franz Mayer. Hidalgo 45, Guerrero, Centro Histórico, CDMX.

Eufloria. Lecturas botánicas de la colección Kaluz

La primavera se encuentra en su máximo punto y en el Museo Kaluz encontrarás esta exposición que reúne las representaciones florales más destacadas de su acervo que captura la energía del florecer y la efervescencia de la naturaleza.

Fecha: Hasta septiembre de 2025.
Dónde: Museo Kaluz. Av. Hidalgo 85, Centro Histórico, CDMX.

Pray: Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic

Se trata de una instalación de vídeo realizada por ambos artistas, una producción que sigue el viaje de entidades que hablan en nombre de espíritus muertos, regímenes políticos, familiares y animales, todos entrelazados y transformándose unos en otros.

Fecha: Hasta el 15 de junio.
Dónde: Laboratorio Arte Alameda. Dr. Mora 7, Centro Histórico, CDMX.

abril 06, 2025 07:01 AM • 2 minutos de lectura

Cinco décadas en espiral - Magali Lara

La exposición revisa la búsqueda artística y espacial de la artista a lo largo de su producción, desde sus primeros dibujos de las décadas de 1980 y 1970 hasta los últimos dos murales realizados especialmente para la muestra.

Fecha: Hasta octubre de 2025.
Dónde: Museo Universitario Arte Contemporáneo. Insurgentes Sur 3000, Centro Cultural Universitario, Coyoacán.

Presencia infinita. Ficciones de la Modernidad

La exposición del Museo de Arte Moderno sigue el trabajo de mujeres artistas desde mediados del siglo XX hasta las obras más contemporáneas de la colección, colocándolas como protagonistas y no como personajes paralelos de la historia.

Dónde: Museo de Arte Moderno. Avenida Paseo de la Reforma s/n, Bosque de Chapultepec I Secc, Miguel Hidalgo.

Germán List Arzubide. En las letras está la vida

La exposición abarca 100 años de desarrollo cultural, ideológico, social y pedagógico de México, a través de los archivos del escritor y dramaturgo Germán List Arzubide, quien fuera una de las cabezas del Estridentismo.

Más de 300 piezas, entre pintura, gráfica, escultura y fotografía, así como una amplia colección de marionetas, libros, documentos y periódicos.

Fecha: Hasta el 26 de octubre de 2025.
Dónde: Museo Nacional de Arte. Calle de Tacuba 8, Centro Histórico, CDMX.

marzo 15, 2025 06:00 AM • 1 minutos de lectura

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